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lunedì 13 febbraio 2012

La estrategia del caracol


Director: Sergio Cabrera.
País: Colombia.
Año: 1993.
Género: Comedia dramática.

Un desalojo, otra ocupación. La estrategia del caracol, aunque no trata específicamente este tema, nos pone de manifiesto las injusticias que en muchas ocasiones se viven cuando el “orden público” lleva a cabo acciones injustas de desalojo que casi siempre recaerán contra los más débiles.

En esta cinta se trata un tema que en la sociedad actual se produce casi a diario: las artimañas de empresarios sin escrúpulos sobre inquilinos de viviendas, que han de ser derribadas para servir a sus propios intereses. Pero en este caso la comunidad de vecinos se organizará gracias a un anarquista español, quien les dará las bases para desarrollar una estrategia un tanto diferente.

La película usa un lenguaje cómico en medio de una atmósfera dramática para hacernos ver cuán difícil será abandonar por los protagonistas su antigua casa y cómo se las ingeniarán para perder la menor parte posible de sus propiedades, no tanto por cuestiones materiales, sino más bien porque su dignidad como personas no ve reconocida por ninguna ley.

Buena película (7 sobre 10).

domenica 12 febbraio 2012

Si può fare


Director: Giulio Manfredonia.
País: Italia.
Año: 2008.
Género: Comedia.

Hay películas que transmiten sólo una historia con mayor o menor fortuna y otras que ni si quiera te hacen partícipe de la misma. Las hay, en cambio, que transmiten un sentimiento, que te dejan pensando en ella después del fundido en negro.

“Si può fare”, tres palabras simples que en muchas ocasiones deberían de ser el leitmotiv de nuestras vidas, nos transporta a los años 80 con una visión de comedia inicial que nos engancha a una historia con moraleja y que poco a poco nos situará en la realidad con tintes finales de drama. Narra la superación enfocada desde las vidas de los pacientes de los antiguos manicomios italianos guiados por un sindicalista que está dispuesto a que estos sean piezas útiles de la sociedad. Intenta con acierto hacernos ver como a mediados de los 80, con el inicio del cambio de sensibilidad a los enfermos mentales, comenzaron a producirse cooperativas sociales entre los internos de estos centros, haciendo de su trabajo terapia y, de paso, comenzar a ganar su propio dinero para conseguir su independencia.

Desde el título, Se puede hacer, podemos ya empezar a dibujar el argumento de la cinta pero aunque sea previsible no debemos dejar que esto se convierta en un impedimento para seguir metiéndonos en la historia y dejándonos llevar. Por todo lo que termina sucediendo y por el retrato del afán de superación nos identificaremos con los personajes, con sus frustraciones y con sus éxitos, terminaremos siendo todos un poco locos y nos uniremos al mensaje posibilista que nos transmite su título… Buena película italiana (7 sobre 10).

martedì 17 gennaio 2012

Festen

¿Recordáis "Festen"? para los que no vivían en el Naviglio di Parma, es una película dogma muy interesante... la verdad es una de esas películas que si te quedas en la superficie, si no la buceas puede pasar sin pena ni gloria, pero que no conozco a nadie que la haya visto que se haya quedado indiferente...
Hace un par de semanas fue una elección que ver en compañía y le sucedió exactamente lo mismo que a mi la primera vez que la vi... 
Es una pequeña obra de arte a la que te acercas entre el escepticismo y la incomprensión, cuando la empiezas a ver te das cuenta de que no es una película al uso. Los no iniciados en este movimiento pueden repudiarla desde el minuto dos pero merece la pena seguir viéndola pues pronto comprendes que hay algo que contar detrás de la historia, en ese momento te puedes declarar abducido por la película...
Poco a poco te va enganchando; te llegas a preguntar por qué sigues viéndola ya que cuando piensas en lo que tienes delante y te empeñas en verlo con una perspectiva de cine convencional te puede llegar a parecer ridícula, pero en cuanto superes ese cliché, esa vergüenza ajena, comenzarás a disfrutarla...



Director: Thomas Vinterberg.
País: Dinamarca.
Año: 1998.
Dogma



Esta es una historia de una verdad escondida en una familia acomodada de Dinamarca, de la que pese a lo que viene siendo habitual, no voy a hacer más que esta introducción a la historia ya que todo el resto merece ser descubierto poco a poco como cuando se desenvuelve un caramelo.


venerdì 30 dicembre 2011

Malena


Director: Giuseppe Tornatore.
País: Italia.
Año: 2000.
Género: Drama, comedia, romance.


El sur de Italia, Sicilia en tiempos del Duce, de la guerra... este es el marco en el que se desarrolla esta película de Giuseppe Torntore. El también director de Cinema Paradiso nos lleva a unos tiempos difíciles en Europa y en Italia, donde a pesar de los sucesos que en el mundo se estaban desarrollando, la vida continuaba con la pasmosa cotidianidad que caracteriza a esta región italiana.

Esta es una película sobre la inocencia y la visión platónica del primer amor de un chiquillo en la Italia de entreguerras, un primer amor imposible. Ella mucho mayor que él, y por si fuera poco, Malena (Monica Bellucci) tiene enamorado a todo el pueblo por motivos que a estas alturas y siendo quien es la actriz parecen obvios. Alrededor de este argumento comienzan a desarrollarse los acontecimientos de la película, situaciones que llevan al jóven en plena pubescencia a fantasear, a inventar un mundo paralelo donde sí es correspondido por Malena.
La película no está falta de imágenes costumbristas de la vida italiana en general y de la siciliana en particular. Sí, es cierto que plasma bien el rechazo social a lo diferente, a todo aquello que no encaja en los cánones socialmente aceptados, cómo reacciona la masa contra lo que es extraño y, por supuesto, el modo en el que estos estereotipos pueden acabar imponiéndose a cualquiera.

La idea es buena, un poco manida, y la moraleja final (ésta de los ejemplos asumidos por la sociedad) parece bien traída a colación en la película, incluso de un modo casi inesperado, pero no es una obra maestra de Tornatore. (6 sobre 10)

sabato 22 ottobre 2011

De Dioses y Hombres



Título: De Dioses y Hombres
Año: 2010
Director: Xavier Beauvois
Duración: 118 min.

Lo que sea me libre de hacer aquí una reseña de esta película desde un punto de vista formal, o como sea que se llame al análisis técnico del contenido. Más bien da pie a hablar al tema y al efecto.

Comunidad anacrónica o no, fanatismo y convivencia, da igual a la hora de evaluar el antes y el después de esta película. Porque quizás técnicamente no sea perfecta, de hecho algunas cosas eran esperables (empezando porque está basada en un hecho real)pero tiene una capacidad increíble de sumergirte en un espacio en el que las turbulencias afectan de lleno a los personajes y les hacen tomar una decisión que efectivamente no depende del sálvese quien pueda.

Esta comunidad de monjes cistercienses franceses en el Atlas argelino están amenazados por la guerra abierta entre guerrilleros musulmanes ortodoxos y el gobierno, viven en la placidez del cristianismo monacal medieval... a finales del siglo XX. Nadie quiere ser un mártir, pero tampoco traicionar sus creencias. Su labor social también es muy apreciada y tiene resultados directos beneficiosos para una población que sufre más que nadie la pobreza y la represión (lo que ha venido a llamarse en la jerga política "daños colaterales del conflicto"). Todo ello hace que sea una decisión difícil, individual dentro del colectivo.

Muy recomendable esta película.

martedì 1 marzo 2011

Tekkon kinkreet!

El director japonés-estadounidense Michael Arias fue el encargado de trasladar el manga de Taiyou a la gran pantalla.
Kuro y Shiro (Negro y Blanco) cobra vida de la mejor manera posible.
No puedo dejar de mencionar de antemano la brillante banda sonora de la mano del dúo británico Plaid; en resumen, “Tekkon Kinkreet” es una excelente película de animación basada en una obra maestra.
El distrito de los gatos, pero no son los típicos gatitos que se acicalan y hacen sus necesidades en un cajón de arena. No, ellos son dos gatos callejeros, pero no maullan. Bueno, Shiro (Blanco) a veces maulla. Kuro y Shiro (Negro y Blanco) son niños de la calle, huérfanos que deciden tomar las riendas de su vida delinquiendo.
Su territorio es el Distrito del Tesoro. O lo que es lo mismo, Tekkon Kinkreet dónde solo se conoce el lenguaje de la violencia... ¡Bienvenidos a Tekkon Kinkreet! Tengan cuidado con sus carteras.


El manga de Matsumoto Taiyou nos muestra las complicadas e irreales vivencias de esta singular pareja. Shiro (Blanco) es un niño cuyo cuerpo ronda los diez años pero su cabeza no ha pasado de los cuatro. Su infinita imaginación e inocencia contrarresta con la crueldad del mundo en el que se mueve. Tiene mil y un gorros de animales y colecciona los relojes que roba a los viandantes. Ese es su tesoro. Sus mayores logros son saber contar hasta diez, hacer canciones para todo hecho que le ocurra a lo largo del día y le mejor patada del universo. Su falso hermano Kuro es su protector, un chaval tan sediento de sangre como de cariño que hará todo lo posible para proteger su barrio ante los nuevos especuladores.
Su mayor certeza es que está muerto por dentro y su mayor apoyo una tubería con la que reventar cráneos. Kuro y Shiro. Yin y yang. Negro y Blanco, cuyo símbolo se ve perfectamente en la camiseta de uno de ellos en un momento de la película casi subliminalmente.
Taiyou ha creado un mundo demencial y cruel en el que sólo se pueden seguir dos posturas: la tensa calma de Shiro o el golpe de tubería de Kuro. Un mundo violento en el que no cabe ser condescendiente o apiadarse de nadie. Mucho menos de nuestros dos protagonista si es que no queremos terminar con una buena herida en la cabeza y sin reloj.
Una película que relata, en ultima instancia los dos polos opuestos y como se crea el equilibrio perfecto casi dependiente de ambos.



Los Western se ponen de moda...

Corren rumores sobre el próximo largometraje de Quentin Tarantino:
http://blogs.elpais.com/version-muy-original/

Recordando a Mersault...

Estos días tuve la oportunidad de ver la película "La Haine" (El Odio, 1995) de Mathieu Kassovitz; como muchos saben narra como trascurre la vida en un barrio marginal de París desde la perspectiva de tres amigos adolescentes. Se puede ver como la violencia, el deambular por la ciudad y los conflictos con la policía están a la orden del día.
Para todos los que no hayan visto la película la recomiendo sin duda; está hecha de una forma descriptiva pero a la vez , sin llegar a posicionarse, recorre diferentes perspectivas en la piel de los protagonistas y cómo se desarrolla su vida cotidiana dentro de este contexto.

A propósito de este estudio sociológico que retrata el autor sobre la realidad que viven los jóvenes marginados o en situación precaria (por ejemplo familias desestructuradas), surge el debate en el trasfondo de estas cuestiones; en ultima instancia refiriéndonos a las formas de poder, o más bien de ejecutar el poder.
La solución o respuesta a estos problemas suele ser sencilla: todas las personas que no se amoldan dentro del sistema por diferentes motivos se confinan, fuera de los barrios residenciales, en pequeñas sociedades marginales dónde se etiquetan ciertos patrones de comportamiento. "Cuesta mucho trabajo, tiempo y dinero" integrarlos dentro del sistema y por supuesto esto nunca sobra.
Citando a Foucault, en su obra "Vigilar y Castigar", es la propia condena la que se supone que marca al delincuente con el signo negativo y unívoco; publicidad, por lo tanto de los debates y la sentencia; pero la ejecución misma es como una vergüenza suplementaria que a la justicia le avergüenza imponer al condenado. El Estado encuentra su justificación creando este tipo de suburbios, pequeñas sociedades que al construirlas se sabe de antemano el desenlace y cómo la gente que vive ahí va a estar determinada a un modo de vida que no lleva a ningún sitio..."por ahora todo va bien" como se repite numerosas veces a lo largo de la película; símbolo de una caída constante sin llegar aún al suelo.
Al existir estas sociedades todo se cubre de lugares comunes sobre ellas y es ahí cuando le entra el pánico al resto de la sociedad que apoya ciertas decisiones fruto del miedo impuesto y del individualismo imperante.

mercoledì 2 febbraio 2011

El Golpe


Director: George Roy Hill
País: EEUU
Año: 1973
Género: Intriga, Drama, Mafia.

Bueno, hacía mucho tiempo que no comentaba ninguna película, pero la verdad es que esta bien merecía retomar la sección de cine.
El golpe es una película que se puede considerar como un gran clásico que cualquier persona debería ver al menos una vez en la vida. Para empezar por el reparto, capaz de reunir en las mismas secuencias a actores como Robert Redford y Paul Newman, y para seguir por la calidad de las mismas que pueden considerarse antológicas dentro del cine universal de todos los tiempos; sin mencionar su banda sonora que evidentemente todo el mundo conoce.
El golpe o "The Sting" en su título original concentra gran parte de los factores que hacen que una película pase de ser un buen film a ser uno de los clásicos fundamentales en cualquier filmoteca.
La historia que se cuenta se ubica en el Chicago de los años treinta, donde las mafias campaban a sus anchas, imperaba la ley del más fuerte y la picaresca se abría paso como podía para procurar a la gente un modo de vivir, o más bien de sobrevivir. En este contexto, (que a quién escribe parece sea idóneo para una buena película) un grupo de timadores buscan el modo de vengar la muerte de un amigo, asesinado por un banquero mafioso. Ese plan pasará por inventar la forma por la cual conseguir arruinarlo, las carreras de caballos. A partir de este momento giros de guión, ver cómo urden el timo y tramas que no son lo que parecen, cautivan al espectador y lo transportan hasta el sorprendente final de un modo ligero y ante todo entretenido.
En resumen desde factores fundamentales como el guión -organizado por capítulos-, el reparto, la contextualización -muy evocadora-, o los planos; hasta otros más banales como la música, hacen de El Golpe una película muy recomendable si se quieren pasar algo más de dos horas entretenido.
Puntuación elevada para esta película, un 9 (sobre 10).

giovedì 26 agosto 2010

Fellini, ocho y medio

Director: Federico Fellini
País: Italia
Año: 1963
Género: Comedia dramática. Cine dentro del cine.

Otto e mezzo de Federico Fellini es otro pedazo de la historia del buen cine condensado en algo más de dos horas de película. En ella se muestra la historia de un director, Guido, el siempre grande Marcello Mastroianni, que después de haber alcanzado un éxito atronador con su anterior creación se fija el reto de crear una superproducción que le consolide en el escalafón más alto del cine.
La película es una continua trenza donde se intercalan los hechos actuales y aquellos relacionados con todas las mujeres que lo han amado o a las que él ha querido a lo largo de su vida. Esto sucede tras darse cuenta que se encuentra en medio de una sequía de ideas muy importante y de que sus numerosos affairs con diversas mujeres han dado una estocada de muerte a su matrimonio.
Federico Fellini da una lección maestra con este gran cine dentro del cine, que aunque al principio puede resultar un poco caótico, enfermizo; después se llega a descubrir que esto forma parte de la angustia mental de Guido en la entrada a la madurez de su vida.
Es, por tanto una película que no sólo te invita a reflexionar profundamente, sino que lo hace completamente necesario para evitar acabar confuso con cada giro de la trenza. Por lo tanto no queda más que reconocer una buena obra completamente imprescindible no sólo en la filmografía de Fellini sino en la historia del cine universal.
Otto e mezzo se merece precisamente eso un 8,5 (en enteros 8/10)

venerdì 30 luglio 2010

Following


Director: Christofer Nolan
País: Reino Unido
Año: 1998
Género: Intriga; Thriller

Opera prima de Christofer Nolan, quien después regalase al cine su pequeña contribución con Memento.
Es tiempo para el cambio de papeles y los giros de guión audaces, aunque en ocasiones algo forzados.
Con esta película Christofer Nolan se postuló como uno de los nombres a taner en cuenta dentro del cine actual.
La película se ajusta perfectamente a los cánones del cine independiente anglosajón, mostrando de un modo bastante original el desarrollo de los acontecimientos; los planos y los diálogos, sin demasiada profundidad.
Nos narra la historia de un joven escritor dispuesto a hacer lo que sea para descubrir personas "interesantes" en los que apoyar su historia, para poder meterse en su papel. Por ello sigue a diferentes personas; primero de un modo ordenado, evitando que tal conducta pudiera desarrollar algo más patológico, la necesidad de realizarla simplemente por el carácter morboso que entraña; Al final todo lleva a un modo caótico, en el que se deja llevar por sus impulsos y se entrega de pleno a su particular experiencia, dejándose llevar en una espiral que termina con el encuentro de un desconocido que se había percatado de los peculiares hábitos de nuestro protagonista.
A partir de ese momento se establece una curiosa nueva forma de actuar, deja de fantasear sobre la personalidad de sus objetivos para colocarse en medio de la escena del crimen, los robos, que realizará con este nuevo conocido quien le muestra un nuevo mundo, de obervación de las conductas humana a través de sus objetos personales pero colocados en sus ambientes naturales, sus viviendas.

Siendo honestos, la película no es excesivamente buena desde un punto de vista objetivo, quizás por la inmadurez de Nolan en algunos momentos clave de la cinta vemos poca claridad de ideas, que acaban resolviendo de un modo un poco precipitado. Los saltos en el tiempo es algo que tampoco se encuentra muy bien gestionado, sobre todo en la primera ocasión en la cuesta situarse en el marco de la nueva acción. En cualquier caso, esto no desluce el brillante inicio del film, donde con poco más de 5 minutos consigue que fijes en él todos tus sentidos. En este aspecto se excusa al director porque este aspecto pueda decaer pasado un tiempo, ya que es complicado encontrar películas consegan ese grado de atención desde el inicio hasta el final.
Resumiendo una película entretenida, buena como primera creación y original en algunos de sus aspectos pero que en otros puede quedarse algo corta. (Puntuación, considerándolo como una Ópera Prima, 7/10)

PD: prometo no monopolizar esta sección, pero hay algunas películas que son dignas de dedicarles una reseña.

Berlín Occidente

Director: Billy Wilder
País: EEUU
Año 1948
Género: Comedia dramática.



De nuevo un genio que deslumbra con su maestría. y es que si algo tiene Billy Wilder es eso, ser un genio.
A decir verdad, es uno de mis directores fetiche pero hay que reconocerle el saber aunar dos cosas el drama de una situación límite con la crítica cómica que sólo él sabe imprimirle a sus obras.
En Berlín Occidente (A foreing affair) Billy Wilder realiza una crítica muy acertada al moralismo que es llevado a lo largo de toda la película por el hilo conductor del triángulo amoroso que se establece entre los protagonistas, todo ello aderezado con los toques de humor brillante, que también pudieran verse por ejemplo en Testigo de Cargo.

Pero vayamos al argumento, la película se contextualiza en el Berlín de la posguerra cuando los aliados se repartieron la tarta alemana para su gestión-reconstrucción, que se cristalizó en el reparto de su capital entre las tropas que habían vencido la guerra.
Estos eran años de penurias para la población civil alemana que, tras haber visto cómo su país y su orgullo había sido devastado por la guerra, tuvieron que hacer lo imposible por sobrevivir-
El mercado negro se instauró a los pies de la Puerta de Brandenburgo y los soldados, entre ellos los americanos, supieron sacar provercho.
Además existía entre las tropas una imperiosa necesidad de compartir el tiempo empleado en la reconstrucción con el género autóctono alemán... y muchos de ellos recurrirían a la compañía de una buena Fraülein para aliviar su soledad.
Ante esta situación, con la moral "rebajada", el congreso de EEUU decide enviar una misión a investigar.
Billy Wilder realiza una revisión a un tópico en sus obras, el de la Femme Fatale (Marlene Dietrich) que seduce al protagonista (John Lund, un sargento de la oficina de "desnazificación"). Este recurso también había sido utilizado cuatro años antes en Double Indemnity, con bastantante buen resultado, formando la que sería una de las mejores tensiones dramáticas del cine clásico. Pero en este caso aparece otra mujer, una de las congresistas, republicana y ultraconservadora. Una mujer que buscaba la pureza moral de las tropas y que recibe con escándalo la situación que se está viviendo en Berlín. La verdad es que, a quien escribe, no le pareció que tuviera un ideario tan lejano en el tiempo (vease a Miss Sarah Palin). Al final se convertirá en la tercera el liza de esta relación a tres bandas que no se sabe muy bien cómo va a terminar.

La película es en líneas generales de buena a muy buena, con diálogos llenos de humor -aunque decaen conforme avanza la cinta-, seguidos de escenas con bastante carga dramática. La contextualización y escenarios son razonablemente buenos y el guión, aunque con algunos altibajos, es capaz de volvernos a enganchar a 20 minutos del final de la película.
Es, por tanto, una buena obra de un básico en la filmografía universal, Billy Wilder.
(Puntuación 8/10)

lunedì 26 luglio 2010

Antes de la Revolución

Director: Bernardo Bertolucci
País: Italia
Año: 1964
Género: Drama


Bueno me ha tocado "en suertes" comenzar este pequeño apartado dentro del Pa aqui pa Parma... y la película escogida ha sido Prima della Revoluzione (Antes de la Revolución) de Bertolucci.
Lo primero de todo, me gustaría hacer constar que es muy complicado valorar de un modo objetivo una película centrada en un escenario, que a un servidor le produce tantísimas emociones como es la ciudad de Parma. Dicho esto, podemos empezar con la reseña:

Como ya he dicho, la película se desarrolla en la Parma clasista de los años 60 (de la que muy poco ha cambiado) y se centra en la perspectiva de la clase burguesa sobre aquellos compases previos a la revolución del 68 francés. Esta temática volverá a ser repetida por Bertolucci casi 40 años después con Soñadores.
En este marco se establecerá una relación incestuosa entre Fabrizio y Gina (sobrino y tía), y de este con otra joven burguesa llamada Clelia. Obviamente, la película lleva al simil estas relaciones con las dudas surgidas en Fabrizio sobre el comunismo y la situación de la clase obrera en aquel momento; la primera como un soplo de libertad, de revolución sobre su vida actual; y la segunda, como el ámbito al que pertenece, encorsetado y rígido de la burguesía Parmesana, que representa el tradicionalismo.
Bertolucci maneja con alguna maestría (habida cuenta de su edad) el desarrollo de los papeles, de los planos y de la historia, evocando así el caótico mundo que se desarrollaría en la mente de Fabrizio de un modo bastante bueno. Pero este estado mental puede que en algunos momentos se le llegue a escapar de las manos, como a mi juicio ocurrió en Soñadores, aunque ahora, y por exigencias de la época en que fue hecho, de un modo más "light" y verosímil.
A modo de resumen cabe concluir que la película es aceptablemente buena aunque tampoco puede ser considerada como una obra de culto. (Puntuación 6/10)